En los años 20, la industria de la animación comenzaba a monopolizarse en Hollywood, Walt Disney abandonó su agencia de animación publicitaria de Kansas City para instalar aquí sus nuevo estudios. Tras perder los derechos del Conejo Oswald, inventó a un personaje que fuese la nueva insignia de la compañía, nada más ni nada menos que Mickey Mouse, El tercer cortometraje del cual, en 1928, fue el corto sonoro Steamboat Willie, toda una apuesta de riesgo que sin embargo funcionó tan bien que Walt Disney se convirtió casi inmediatamente en uno de los grandes de Hollywood, y marcó el inicio de la llamada Edad de Oro de la Animación Americana.
Fuera de Ontario y Quebec, cabe destacar en la Columbia Británica la productora Mainframe Entertainment lanzó la primera série de animación CGI: Reboot
Hoy en día puede parecer una animación torpe, sosa y fea, pero en su época tuvo mucho éxito.
No es un estado con una industria de la animación palpable, pero en los años 2000 en Calgary se creó la Quickdraw Animation Society, dedicada a formar nuevos talentos y producir animaciones experimentales como The Uprising, o Giraf 5
En Ontario en cambio se tomaron la industria de la Animación de otra manera, llegaron a la conclusión: Ya que no podemos competir con la Animación Americana... Seamos sus Negros! En los años 60 y 70, el productor Al Guest contaba con los estudios Crawley Films en Otawa y con los estudios Guest Group en Toronto, y se dedicaron a realizar el doblaje y la animación OEM de series de televisión americanas como Spiderman o Rudolph the Red-Nosed Reindeer
No fue hasta la serie Rocket Robin hood en que Al Guest hizo una serie de animación completamente Canadiense. La serie funcionó bien, y en los años 70, Al Guest, junto con Jean Mathiesonat fundaron la compañía Rainbow Animation, especializada en programas infantiles de television de bajo coste como Ukaliq, The Sunrunners, The Undersea Adventures of Captain Nemo,
o Toothbrush Family
Otra compañía de Toronto fue Nelvana, fundada en 1971, se dedicó inicialmente a producir especiales de TV que tuvieron éxito tanto en Canadá como en USA, como The Star Wars Holiday Special 1978 (a pesar de que los fans de Star Wars hoy en dia se estiran de los pelos al ver este engendro).
Tal éxito en los especiales de TV les animó a producir un largometraje para cine: Rock and Rule
A pesar de su magnífica animación y diseño, la película fue una catástrofe en taquilla, aunque hoy en día se considera de Culto. Decepcionados del mundo del cine, Nelvana volvió a mirar hacia la TV, y produjo series como el Inspector Gadget o Los Osos Amorosos
El éxito de Nelvana en la animación para la TV hizo que en Otawa apareciese otra compañía, Atkinson Film-Arts , que se especializó en especiales para la TV americana como Babar, o For Better or For Worse, la serie The Adventures of Teddy Ruxpin,
Daniel el Travieso
y la película Heavy Metal. Cuando Atkinson Film Arts estrenó los especiales The Raccoons, su sub-productor, Kevin Gillis, tuvo una serie de disputas y acabó formando su propio estudio: Hinton Animation Studios. Allí realizó la serie The Racoons
Y en 1990 co-produjo con Lancewood Productions una película para cine sobre El Cascanueces
Esta película fue tan desastrosa en taquilla que Hinton Animation se arruinó, y debió cancelarse la serie The Racoons, Lancewood Productions por su cuenta, se hizo cargo del personal de Hinton, y produjeron más series de TV como For Better or For Worse
Pero producciones comerciales aparte, tambien hay que destacar la creatividad de los animadores de Ontario, como la productora experimental Toronto Animated Image Society o el animador Jon Minnis, que en 1984 ganó un Oscar por el cortometraje Charade, que realizó como trabajo de fin de carrera para el Sheridan College de Toronto.
De hecho, a finales de los 80 y principios de los 90 los animadores de Ontario estuvieron muy bien considerados, y los fueron contratando por todo el mundo para organizar estudios, como es el caso de Richard Williams, que en 1988 se encargó en Inglaterra de la animación de Quien Engañó a Roger Rabbit?
En cuanto animación tra-digital, en Toronto se fundó la compañía Alias/Wavefront, creadora del programa Maya, con el que se realizó South Park.
Los Canadienses de Quebec no sólo fueron los primeros en hacer animaciones, sinó que fueron pioneros a nivel mundial en la Animación Tradicional. En 1912, Raoul Barre inventó el sistema de pivotes, la técnica del Slash & Tears, y en 1913 ideó los estudios de animación organizados como cadena de montaje, un tipo de organización que posteriormente resultó esencial para realizar animaciones con fines comerciales.
Sin embargo, a causa de la fuerte competencia americana, la animación canadiense veía muy dificil su comercialización, no fue hasta 1939 en que se organizó en Montreal la NFB (National Film Board), una productora de cine, subvencionada por el gobierno Canadiense con la intención de promocionar el cine local. La animación al principio fue considerado un arte menor y no se promocionó suficiente, hasta el 1941 en que consiguieron una co-producción con Disney para realizar los famosos Cortos de Propaganda Militarista Aliada. Después de este encargo, NFB continuó produciendo animaciones.
En Quebec habían llegado a la siguiente conclusión: No se puede competir contra el mercado de la Cel Animation Americana, así que... Por qué hacer Cel Animation? la NFB se convirtió en un laboratorio en el que investigaban nuevas técnicas y sistemas de Animación. Entre ellos destacó el artista experimental de origen escocés: Norman McLaren, que inventó (entre otras técnicas) la técnica de la Animación sobre Película, que consiste en dibujar fotograma a fotograma directamente sobre la película, consiguiendo una definición muy superior al material fotografiado. La banda sonora electrónica también la hacía él mismo, marcando con puntos, rallas y triángulos la banda magnética de la película
Dots, 1940 (Aviso que es experimental)
En Quebec no pararon de aparecer animadores experimentales como Jacques Drouin, que inventó la animación con pantalla de agujas,Amanda Forbis, Chris Hinton, con Nibbles
Wendy Tilby, con Stings
Cordell Barker, con Strange Invaders
o Frédéric Back, que con sus cortometrajes para la televisión pública francófona CBC, ganó 2 Oscars: uno por Crac, en 1981
Experimentos aparte, siguieron produciendo algunas creaciones en Cel Animation.
En cuanto a animación Tra-digital, La compañía de Montreal ToonBoom ha liderado la tecnología con programas como Harmony, que se usó para la producción de Los Simpson.
Bien, después de este aperitivo, vayamos a cosas más sérias, ya que Canadá SI tiene una industria de la animación y además bien potente.
Canadá es una nación peculiar por un par de factores:
El primero es la tremenda influencia que tienen los USA sobre su economía, incluso las propias cadenas de Cines se negaban a proyectar películas Canadienses. Esto ha hecho que el peso de la Animación Americana limitase desde el origen el desarrollo de la Animación Canadiense.
El segundo factor es el hecho de que en Canadá dominan 2 culturas casi a la par: La de Ontario (Anglosajones) y la de Quebec (Francófonos). Más allá del idioma, también les caracteriza la forma de tomarse los negocios. Así que hablaré de Ontario y de Quebec como si se tratase de dos países diferentes.
Por lo general la Animación Canadiense está muy bien considerada, y el festival de animación de Ottawa es uno de los más prestigiosos del mundo. Es una industria que al estar exenta de mercado local desde sus origenes, debió elegir entre rendirse a los americanos o experimentar, Ontario eligió rendirse y su éxito ha sido irregular, Quebec eligió experimentar, y su industria vive de subvenciones del gobierno sí, pero almenos hacen un arte propio, único y de referencia mundial.
Al igual que cuando escribí sobre Hawaii, no puedo escibir nada sobre animación endémica de Alaska, pero como me encuentro en un sub-continente con sólo dos naciones, tendré que hablar de una película de animación que tiene lugar en este país:
Balto
Esta película de 1995 está dirigida por Simon Wells, el bisnieto de HG. Wells, y es la última película de la productora británica de Steven Spielberg: Amblimation.
Contiene escenas en imagen real filmadas en Central Park, y está basado en hechos reales, sobre un perro de Alaska que ayudó a transportar en trineo un cargamento de medicamentos durante una epidemia de Difteria en 1925.
Su estreno quedó eclipsado por el estreno de Toy Story de Pixar, sin embargo, al tratarse de una película de presupuesto medio, consiguió algunos beneficios.
Ya directa a video, en el 2002, apareció la secuela Balto II: Wolf Quest
La industria cinematográfica Brasileña es una industria llena de reinicios y cierres, siempre que parece que una productora empieza a marchar bien, cierra por algún motivo y no vuelve a aparecer otra productora hasta tiempo después, éste factor desde luego ha afectado a un sector de la industria cinematográfica tan elaborado como es la animación, y como consecuencia la industria de la animación brasileña se ha centrado sobretodo en los cortometrajes y la publicidad. El caso es que existe una tradición de animación brasileña, la publicidad brasileña está muy bien reconocida mundialmente, aun con productos peculiares como xixi no banho, y la industria del cortometraje animado es antigua, el primer corto de animación es O Kaisser, del 1917 No realizaron ningún largometraje hasta Sinfonía Amazónica en 1951, y aún fue en blanco y negro.
Actualmente los brasileños se han lanzado con ánimo a la animación digital. Lamentablemente, la productora de animación CGI brasileña más conocida es Video Brinquedo. responsable de "instant movies" que son nada menos que copias descaradas de películas Pixar y Dreamworks Animation destinadas a los compradores con miopía avanzada que confunden carátulas de DVD en supermercados, y no se dan cuenta de que estan comprando poco mas que esperpentos y crímenes contra la animación, como Ratatoing, El Pandita Karateka o What's Up.
Sin embargo, un honor que se atribuye la animación brasileña, es la de haber realizado en 1996 El primer largometraje de animación realizado 100% en animación CGI, Cassiopéia
Pero cómo!, el Primer largometraje realizado 100% en animación CGI no fue Toy Story en 1994?
Resulta que Como los personajes de Toy Story fueron modelados en arcilla para después ser escaneados en 3D, los brasileños no la consideran 100% animación CGI. Chúpate esa! Pixar!
Un autor de animación Brasileño actual que cabe destacar es Luiz Bolognesi, aclamado guionista de cine de imagen real que éste año ha realizado su primera película de animación: Lutas, una película de animación Flash sobre un personaje inmortal, durante una revolución contemporánea fictícia que nos cuenta su vida de 600 años a través de los diferentes sucesos históricos brasileños.
Y el año que viene saldrá la primera película de animación stop-motion brasileña: Minhocas, de Paolo Conti y Arthur Nunes
Por lo visto, la animación CGI 3D está permitiendo que se consoliden toda una série de industrias de animación latino-americana, lo cual es positivo, pero esperemos que "copiar a Pixar" (con más o menos descaro) no se convierta en la dinámica a seguir, y que el hecho de animar con ordenador (o mejor dicho, computador) no suponga una pérdida de estéticas y temáticas propias de éstos países.
Perú es un país también sin apenas tradición en el mundo de la animación, sin embargo un grupo de publicistas ha aprovechado el boom de la animación CGI 3D de los años 2000 para fundar en el 2003 la productora Alpamayo Entertainment, con la intención de hacerse con el mercado de la animación CGI latino-americana. La primera producción fue Piratas en el Callao, en el 2005
y desde entonces han continuado con otras producciones como Dragones, Destino de Fuego (2006)
Valentino y el Clan del Can (2008)
Y éste año han producido una nueva película: El Diente de la Princesa.
Mientras tranto, el primer director de Alpamayo, a través de la productora Dolphin Films y con la distribución de Fox, ha preparado otra película de animación CGI Peruana, Delfín, la História de un Soñador, de Eduardo Schuldt
Las primeras animaciones Colombianas datan de los años 30, sin embargo carecieron de éxito y la industria de los cortometrajes de animación colombianos quedó prácticamente eliminada. No fue hasta los años 60 en que se retomó la industria con fines publicitarios y funcionó bien aceptando encargos de otros países latino-americanos. Sin embargo en los años 80 hubo un estancamiento, la industria optó por no abaratar costes y acabó perdiendo su posición dentro del mundo de la animación publicitaria en favor de otros países como Argentina o Brasil.
En el 2009 pasado se decidieron a lanzar su primer largometraje, en animación digital: Bolívar el Héroe, con una estética... peculiar.
No me extraña que los españoles perdiéramos las colonias latino-americanas! A mi tatatatarabuelo lo mató un caballero del zoodiaco!
En fin, hoy en día existen algunos autores de animación colombiana que cabría destacar, como es el caso de Eduardo Carrillo, el director del cortometraje Pequeñas Voces
Eduardo Carrillo es un animador especializado en los híbridos de dibujo tradicional y animación 3D, en éste caso quiso hacer un documental basado en las experiencias de unos niños deportados por las guerrillas colombianas, narrados por ellos mismos y utilizando dibujos realizados también por los propios niños. Pese a no ser la mejor animación del mundo, se nota que es un producto hecho con cariño y que resulta sobrecojedor. En la web del cortometraje, http://www.locombia.net/voices/ recojen fondos para producir el largometraje secuela: Nacidos Bajo el Fuego.
Al contrario de lo ocurrido en otras dictaduras socialistas como China, el socialismo benefició a la animación en Cuba dado su alto poder educativo. En los años 60 comenzaron a realizar toda clase de películas de animación, influenciada por el estilo de animación limitada de UPA. El animador cubano más conocido es el ilustrador Juan Padrón.
Juan padrón ingresó en 1974 en el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico como director de dibujos animados, dónde realizó séries como Filminuto
o Quinoscopio, en colaboración con el humorista gráfico argentino Quino
En 1979 produjo su primer largometraje: Elpidio Valdés
y en 1985 produjo su segundo largometraje: Vampiros en la Habana
Que tuvo la secuela en el 2003: Más Vampiros en la Habana
En el 2008 Juan Padrón recibió el premio nacional de cinematografía.
La animación en latino-américa es la história de lo que pudo haber sido y no fue. Tras ser descartado México como base para la animación OEM, sólo les quedó la opción de contar con el apoyo del gobierno, un apoyo que no siempre ha funcionado. Debo criticar no tanto la falta de apoyo de los gobiernos, sinó más bien la falta de promoción tanto oficial como de los propios espectadores a la animación latino-americana, es dificil encontrar información en la red sobre animación en éstos países, y de hecho sólo los cubanos se han tomado muy en sério esta industria a pesar de sus comprensibles faltas de medios. La animación latino-americana puede ser mejor o peor, pero hay que agradecer que hayan sabido plasmar su propio caràcter étnico en ellas.
Odisea Burbujas era una radio-novela mexicana, que saltó al formato televisivo entre 1979 y el 2004 producido por el dominicano afincado en México Enrique Segoviano, conocido por obras como El Chavo del Ocho o El Chapulin Colorado.
La série tuvo éxito en latino-américa y trataba sobre las aventuras espaciales del profesor A.G. Memelovsky ysus creaciones mutantes viajando por el espacio y el tiempo luchando contra la contaminación. Han editado 5 discos y una revista de historietas.
Apenas conozco obras mexicanas, como huevocartoon. Se trata de una sit-com de animación flash protagonizada por huevos y realizada con un tipo de humor muy mexicano: www.huevocartoon.com. Desde el 2001 la série fue ganando popularidad, invirtieron en merchandising y en el 2006 lanzaron un largometraje: Una película de huevos, le re-bajaron el humor ácido, ya que querían que fuese apta para niños de 9 años, sim embargo la película tuvo éxito,
e hicieron una secuela en el 2009: Otra película de huevos y un pollo, que ha resultado ser la película de animación mexicana que más ha recaudado en taquilla el primer fin de semana: 34 millones de pesos (unos 2 millones de Euros).
Pero vayamos a los orígenes de la animación mexicana...
La animación mexicana comenzó en los años 40, muy influenciada entonces por Disney, pero dejando siempre bien claro en la estética que se trataba de un producto Made in Mexico. En los años 70 estuvo a punto de convertirse en una base para realizar las animaciones OEM de los terribles (pero muy lucrativos) Saturday Mornings Cartoons, como fue el caso de la série de animación de Hannah Barbera: Los Super-Amigos
La série de los Super Amigos tuvo mucho éxito y la productora mexicana que se encargaba de los intercalados, rápidamente se convirtió en la productora más influyente de la animación mexicana, sin embargo el establecer la animación OEM en Mexico no tuvo mucho éxito, los Estados Unidos prefirieron contar con empresas subcontratadas en Canada, luego en Japón, Corea, y actualmente la realizan en la Indiay en el sur-este asiático.
El primer largometraje de animación mexicano fue en 1974: Los 3 Reyes Magos
Se trata de una versión del mito de la Natividad del Señor dirigido por Fernando Ruiz con guión de la escritora pro-derechos humanos Rosario Castellanos, se trata de una película con una animación bastante precaria y muy criticada hoy en día, ya que tuvieron problemas de producción al recibir menos apoyo del gobierno del que esperaban.
Los diseños, están inspirados en la cerámica típica de Jalisco, estuvo a cargo de Moises Velazco, ilustrador que también se encargó de la película Katy la Oruga
y del material gráfico de la série híbrida de marionetas e imagen real Odisea Burbujas.
No es un país con una industria perceptible de la animación, pero me negaba a hacer un especial sobre el continente Oceánico con tan sólo 2 países, así que hablaré de una película hecha en Florida, pero de temática Hawaiana cuidadosamente bien documentada y doblada en su origen por actores Hawaianos en el dialecto local:
Lilo & Stitch
Se trata del largometraje número 42 de Walt Disney, dirigido por Chris Sanders y Dean DeBlois y nominada al Oscar por la mejor película de animación en el 2002.
Hubo una secuela directa a video en el 2003: Stitch! The Movie
Seguida por una serie de TV: Lilo & Stitch: The Series que se emitió entre el 2003 y el 2006.
En el 2005 hubo una segunda OVA: Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch
y una tercera OVA en el 2006, que se presentaba como final de la serie de TV: Leroy & Stitch
Junto con Los Rescatadores en Cangurolandia es de las pocas producciones de Disney que ocurren en una época contemporanea, la idea de esta película consistía en realizar una película de presupuesto medio pero realizada con cariño, a imitzación de Dumbo. En un principio la historia iba a pasar en Kansas, ya que allí podrían gozar de escenarios más aislados donde esconder al personaje de Stitch y relacionarlo con otros personajes, pero finalmente optaron por la isla hawaiana de Kauai, ya que no se habia hecho ningun largometraje comercial de animación ambientado en estas islas. Así que el equipo de animación que se había encargado de realizar Mulan, se desplazó a Kauai, la isla mas "salvaje" del archipiélago conocida por los rodajes de películas como En Busca del Arca Perdida, Jurassic Park o la serie Perdidos, y allí tomaron para la película la idea del concepto familiar del "'Ohana", un concepto familiar hawaiiano por el cual la gente se hermana con todos sus conocidos. Sanders se empeñó en imitar las técnicas de Dumbo, e hizo que los fondistas aprendiesen a pintar en acuarela para realizar los fondos en esta técnica en vez de usar la técnica más sencilla del Gouauche. Para los diseños de naves optaron por inspirarse en criaturas marinas. Algunas escenas se eliminaron por considerarse demasiado agresivas, y la promoción vino de la mano de unos divertidos trailers en que se parodiaban las anteriores películas de Disney e incluían música de AC/DC (la banda sonora de la película, en cambio, es de Elvis). Junto a Tiana y el Sapo, es la única película de Disney de los años 2000 que ha tenido buena recepción de crítica y buena recaudación de taquilla.
En el 2008 Madhouse hizo una versión anime de la historia (!!!) llamada Stitch. El diseño del alienígena protagonista se mantiene, pero la historia ahora pasa en la isla japonesa de Okinawa, y la niña hawaiana ahora es japonesa, no es morena ni tiene los ojos rasgados y en vez de Lilo se llama Yuna o Hanako.
Y hasta aquí el especial de Oceanía, quitando Australia no es un continente con muchas producciones, pero ha inspirado producciones y co-producciones Americanas interesantes, y aunque hayamos hablado de países con culturas anglosajonas, han sabido como distanciarse ofreciendo productos creativos, educativos y originales.
ALOHA!!!
Australia es un país con una buena producción en animación, sobretodo en material didáctico. También hay productoras como Disney, y anteriormente Hannah Barbera que contaron con estudios australianos como estudios auxiliares para sus producciones. También han participado en co-producciones de otros países más o menos conocidas, como la co-producción Australiano-Israelita: $9.99, o la serie Franco-Hispano-Americano-Australiana de Lucky Luke. La película de animación Australiana más conocida, de hecho es una co-producción Americano-Australiana, concretamente de Disney: The Rescuers Down Under, conocida en la versión en castellano por el espantoso título de Los Rescatadores en Cangurolandia. (Por que demonios no la llamarían simplemente "Los Rescatadores en Australia"?)
Con una trama que transcurre en el desierto del Outback Australiano, se trata de una película de 1990, y es el largometraje número 29 de esta conocida productora de animación, realizada despues de La Sirenita, fue la primera secuela que realizaron, concretamente de la película de 1977 Los Rescatadores, basado en las novelas de Margery Sharp y que junto con Fantasía 2000 son las únicas secuelas de Disney producidas con gran presupuesto. Se estrenó durante el renacimiento de Disney, en una época en que (como se parodió en un capítulo de Los Simpson) hubo una corta pero intensa moda de Australia.
Fue la primera película de Disney realizada completamente en animación Tra-Digital, los diseños los hicieron a mano, pero la faena de entintar y colorear los personajes, así como la composición se hizo por procedimientos Digitales y también incluyeron escenas en animación CGI 3D. También fue la segunda película de Disney (Después de The Black Cauldron) que no incluía números musicales e inicialmente se proyectó precedida del cortometraje de Mickey Mouse: The Prince & The Pauper.
La crítica valoró muy bien esta producción, pero la promoción de la película no hizo apenas hincapié en los aspectos innovadores que incoporaron y fue un fracaso en taquilla.
Otra co-producción Americano-Australiana, esta vez distibuida por Warner, fue...
Happy Feet
Esta tragi-comedia del 2006 de George Miller, es una película de animación CGI de captura de movimiento que en algunas escenas se mezclan personajes reales. Se estrenó en formato de 35 mm, y en Imax 2D, también se plantearon hacer una versión en Imax 3D, pero el presupuesto estaba agotado, ya que la obsesión por el realismo en la renderización de las texturas para que la película pareciese un documental del la BBC, llevó a la productora a encargar a IBM la construcción durante 4 años de un super-procesador informático de 17 millones de Dólares.
La película tuvo muy buena aceptación de crítica y una recaptación de taquilla tremenda, la crítica le agradeció su trama que toca temas como la ecología, el rechazo social, el racismo y los conflictos religiosos. Ganó multitud de premios, incluyendo el Oscar a la mejor película de animación.
Y yo me digo... Por que! Esos pingüinos dan miedo! Parecen poseidos! Me recuerdan a las animaciones en stop motion hechas con animales disecados! Que sentido tiene que las texturas sean hiper-realistas? Y que usaran captura de movimiento para que los pingüinos bailen igual que un bailarin humano? y un infumable final basado en blablabla? Y aún suerte! Porque originalmente querían hacer que al final llegan unos marcianos y se ponen a tratar a los humanos igual que los humanos a los pingüinos.
AAAAAARGH!
Pues nada, que si no quiero caldo ahí van dos tazas, porque el año que viene estrenarán una secuela.
Otra película de la que me gustaría hablar, esta vez completamente Australiana, es FernGully: The Last Rainforest
Producida por Kroyer Films, es una adaptación de 1992 del libro homónimo de Diana Young. Era una fábula ecologista que contó con las voces de Tim Curry, Robin Williams y Christian Slater, aunque estos actores no participaron en la desastrosa secuela americana directa a vídeo: FernGully 2: The Magical Rescue. (La ilustración de la carátula creo que lo dice todo)
La historia de la película original trata de una selva australiana paradisíaca llena de lucecitas que estan devastando, en la que uno de los hombres se pierde y acaba conociendo a una de las hadas del lugar, le enseña su forma de vivir en harmonía con la naturaleza, se enamoran y el hombre acaba luchando del lado de las hadas...
(Jo tío! Que original que es Avatar!!! como puede ser que ganase sólo Oscars técnicos y que no estuviese nominado al mejor guión???)
Se hizo con escenas en animación tra-digital, la banda sonora es de Alan Silvestri, y tanto la crítica como el público le dieron una buena crítica, a pesar de que ya en su momento se consideró que tenía una trama "poco original".
Ahora, si hay un animador Australiano que se merece un aplauso como una catedral, es Adam Elliot, el creador del fantástico corto ganador de un oscar: Harvey Krumpet. Este animador independiente de Stop Motion de Merlbourne ha ganado más de 100 premios con sus 5 películas a las que se refiere con el nombre de Clayographies: biografías agridulces de personajes de Plastelina, realizadas en estricta animación artesanal, no usa ordenadores durante la producción. Nació con un problema fisiológico hereditario parecido al Parkinson, característica que quiso explotar como parte de la estética de sus películas. Tras especializarse en animación en el Victorian College of the Arts en el 1996, realizó su primer cortometraje de Stop Motion: Uncle
El cortometraje tuvo tanto éxito y ganó tantos premios que lo contrataron varias productoras Australianas para hacer 3 cortos más: Cousin (1998)
Brother(1999)
Y Harvey Krumpet, en el 2002. El Año pasado estrenó su primer largometraje, la fantástica película nominada al oscar a la mejor película de animación: Mary & Max
Y estrenará un nuevo largometraje en el 2012.
Había comentado que las animaciones australianas no tienen un caràcter propio? Rectifico con Adam Elliot. Sus historias se alejan completamente de los argumentos típicos americanos y nos propone protagonistas feos, tontos, imperfectos, perdedores y desgraciados, pero que sin embargo quieren y deben ser felices y buscan el amor de los demás a través de la bondad, no de la gloria. El resultado son unos personajes de plastelina mucho más humanos que si fuesen actores de carne y hueso de película americana, con una carga emotiva (también gracias a un increible lenguaje cinematográfico) que dificilmente nos deja indiferentes, ya que se atreve a tocarnos todos los sentimientos mas profundos a la vez.
Y finalmente, quiero acabar de hablar sobre Australia con algo para los más pequeños: la serie de los Koala Brothers
Se trata de una serie basada en dos hermanos koalas que se dedican a rescatar a animales en apuros en el desierto del Outback con su avioneta. No hay villanos, las dificultades de trama vienen dadas de que los dos hermanos a menudo tienen opiniones diferentes, se pelean, tienen miedo, celos o incluso prejuicios sociales, pero siempre acaban poniéndose de acuerdo y haciendo nuevos amigos al salvar a un animalito. Que educativo! y que diferencia con otras series americanas en que un amigo es poco más que alguien con unos pensamientos identicos a los tuyos, o peor aún, un zombi sin cerebro que te acompaña en las aventuras como en Phineas y Ferd. En el 2006 la serie fue nominada como mejor animación por los BAFTA Children's Awards.
Si existiera un infierno de la animación, sería Corea del Norte. Al igual que en China durante la revolución cultural, la industria de la animación de Corea del Norte se basa en un estudio del gobierno que se dedica a realizar animaciones de propaganda comunista. A finales de los años 90, como forma de conseguir divisas, empezaron a aceptar subcontrataciones de estudios Sur-Coreanos, que a su vez eran subcontrataciones de estudios occidentales. Séries de animación occidentales, como Corto Maltese se han animado parcialmente en Corea del Norte.
Pero parémonos a pensar de una forma mínimamente humanista: Si los estudios franceses encargan las animaciones a estudios sur-coreanos para abaratar costes, y los estudios sur-coreanos a su vez encargan las animaciones a estudios nor-coreanos tambien para abaratar costes, cuanto deben cobrar en última instancia los animadores nor-coreanos?
Los animadores nor-coreanos pueden elegir entre cobrar un sueldo ridículo e insuficiente o que les paguen con sacos de arroz. Normalmente toman la segunda opción ya que el arroz lo pueden re-vender y sacarse un dinero extra. Puede parecer un trato indigno hacia los trabajadores, pero nadie se queja ya que sólo los amigos del régimen pueden trabajar como animadores.
Y hasta aquí el Lejano Oriente. Cierto que me he dejado un país asiático en concreto, que es la mayor fábrica de animación del Mundo... Pero por hoy ya hemos tenido bastante articulo así que lo dejaremos para otra ocasión
La Animación Coreana, tambien conocida como Han-guk Manhwa Aenimeisyeon (한국 만화 애니메이션), desde los años 90 es la industria de la animación donde se realizan la mayoria de tareas de intercalado de la industria de la animación japonesa y americana, lo que tambien se conoce como Animación OEM.
Tambien hay casos como Robotech: The Shadow Chronicles, que se trata de una secuela Coreana producida por DR Movie, basada en una serie de anime originalmente japonesa.
Actualmente es una industria que se encuentra en fase de crisis, ya que al subir el nivel de vida de Corea del Sur, los grandes estudios de animación ven más rentables los estudios de la India, Filipinas o el Vietnam, esto sumado a la proliferización de la animación Tradigital, y del florecimiento de la industria de los videojuegos coreanos, que se han llevado a muchos animadores de calidad, ha provocado que estudios como Nelson Shin's AKOM, que realizaron la animación OEM de la primera temporada de los Simpsons, quebrasen.
Así que los animadores coreanos han llegado a la conclusión de que deben hacer re-flotar el mercado con proyectos originales, tales como My Beautiful Girl, Mari
Desde los años 90, uno de los campos donde los Orientales han podido mostrar más creatividad, teniendo en cuenta la censura en la RPChina y que el mercado del Manhua está saturado, son las animaciones on-line. Un personaje de animación flash Taiwanés llamado A-Kuei, fue elegido por la revista Time Magazine Asia Edition como uno de los 100 personajes más influyentes de Asia.
El caso es que (calidades aparte) A-Kuei es un personaje con más semejanzas a series de Anime Japonesas como Doraemon o Sin Chan que al Manhua Anime.
